Что такое "американская мода" сейчас?

С началом Недели моды в Нью-Йорке и возвращением Met Gala пришло время задуматься о том, кто определяет стиль нации — и может ли это делать каждый.

Что такое "американская мода" сейчас?

Менее чем через неделю, 13 сентября, когда солнце зайдет за Центральный парк, великие, хорошие и очень, очень гламурные впервые с начала пандемии поднимутся по мраморным ступеням Музея искусств Метрополитен на вечеринку года, иначе называемую Met Gala.

Они будут приветствовать ведущих вечера — Наоми Осаку, Тимоте Шаламе, Аманду Горман и Билли Айлиш — в то время как социально отстраненные папарацци будут фиксировать каждый выход в свет. На следующий день выбор будет обсуждаться в язвительных подробностях, будут составлены списки лучших и худших нарядов и, возможно, короновано несколько новых звезд стиля, в зависимости от того, как посетители (или их стилисты) интерпретируют дресс-код. Вечеринка, названная «Американская независимость», является данью уважения выставке костюмов, которую она призвана отметить. Первая из двух частей посвящена странному и аморфному термину, который часто упоминается в дизайнерских кругах, но редко звучит в реальном мире: «Американская мода».

На красной дорожке это, вероятно, будет означать множество звездных юбок. Возможно, даже фальшивая статуя Свободы или две. (Никто никогда не говорил, что интерпретация дресс-кода — дело тонкое). Но в разговоре о поп-культуре и в мире стиля, где смотрят на пупок, это поднимает другой вопрос: После глобальной пандемии и возмущения движения за социальную справедливость, что вообще означают эти слова — американская мода? Во всей этой ностальгии по легкой для проглатывания (или легкой для ношения) версии американской истории, в конце концов, есть много дискомфорта и темноты — даже уродства.

Что такое "американская мода" сейчас?
Работы Клэр Маккарделл часто считались воплощением «американского образа» в 1940-х и 50-х годах. Вот сарафан 1957 года. Credit… Frances McLaughlin-Gill/Condé Nast, via Shutterstock

Ярлык всех ярлыков

С тех пор как в Соединенных Штатах Америки существует индустрия моды, предпринимались попытки придать ей определенную форму. С тех пор этим термином свободно разбрасываются, но почти никогда не дают ему определения.

В 1932 году Дороти Шейвер, президент компании Lord & Taylor, представила «американский образ». Клэр Маккарделл, дизайнер 1940-х годов, часто называется «крестной матерью американской моды». Джеффри Бин, преобразовавший серую фланель в 1970-х и 80-х годах, был «деканом американской моды». В январе Том Форд, председатель Совета модных дизайнеров Америки, воспользовался своим положением на вершине лоббирующего органа индустрии, чтобы сделать важное заявление. Он переименовал Неделю моды в Нью-Йорке в «Американские коллекции».

С одной стороны, это просто географическое обозначение и маркетинговый термин: Американская мода (большая «F») — это одежда, которая разработана (а не сделана или показана) кем-то с американской штаб-квартирой. Вот и все.

В других случаях это визуальная ссылка на Америку с сувенирных открыток: Ностальгия Ральфа Лорена по «как Запад победил» и ностальгия Томми Хилфигера по «легкой» версии того же флага. Или сюрреалистический взгляд Thom Browne на человека в сером фланелевом костюме — в духе Бастера Брауна. Или, в случае Керби Жан-Реймонда из Pyer Moss, попытка исправить «обеление» этих клише.

Но американская мода также обозначает нечто более абстрактное в ментальном ландшафте одежды и идентичности — своего рода коллекцию ценностей, которые ассоциируются с этой страной, выражаются через эстетический выбор и распространяются по всему миру. Именно поэтому Эндрю Болтон, куратор Института костюма при Метрополитен-музее, начал думать, что настало время для публичной переоценки.

Что такое "американская мода" сейчас?

Что происходит, когда вы просите людей дать определение «американской моде»

Когда вы спрашиваете людей, что такое «американская мода», ответы, которые вы получаете, похожи на определение порнографии, данное судьей Поттером Стюартом: «Я узнаю это, когда вижу».

Когда я спросил Марка Джейкобса, что он думает, например, он сказал: «В течение многих лет я работал с Джозефом Картером, главой моей дизайн-студии, и мы что-то прикрепляли, а я говорил: «Но это выглядит не очень по-американски». А он отвечал: «О чем ты говоришь?». Иногда я даже не был уверен».

Оливье Габе, директор Музея декоративного искусства в Париже, закатил глаза на всю эту идею, назвав ее устаревшей концепцией в глобальном мире. Вирджил Аблох, американец ганского происхождения, основатель Off-White и дизайнер мужской одежды для Louis Vuitton, не согласился с ним. «Американская мода» всегда была термином, который я боготворил», — сказал он. «Для меня он означал вершину американских устремлений».

Но, продолжил г-н Аблох: «Существовал потолок для образа, который раньше существовал. И сегодняшнее поколение увидело его насквозь».

Это момент, когда вся идея национальной идентичности подвергается широкому сомнению. А это значит, что и мода вынуждена задавать себе те же вопросы. Когда речь заходит о термине «американская мода», кто определяет его? Кто в него входит? Актуально ли оно вообще?

Сейчас это что-то вроде горячего беспорядка. Но это, честно говоря, даже здорово.

Что такое "американская мода" сейчас?
В своем показе весна 2019 для Calvin Klein Раф Симонс исследовал темную сторону американского поп-ландшафта.Credit…Casey Kelbaugh for The New York Times

Вначале американская мода в значительной степени определялась тем, чем она не была: европейской.

Как написала в своих классических мемуарах-трактате «Мода — это шпинат» Элизабет Хоуз, художница, журналистка и дизайнер, отправившаяся в Париж в 1920-х годах в качестве «копировщицы» — манекенщицы, нанятой для копирования французских моделей для продажи на американском рынке, — одним из величайших достижений французов было убедить мир в том, что их дизайн одежды — единственный настоящий дизайн одежды, что их сметливость присуща самой сути шика. Так начался парад американских дизайнеров — Чарльз Джеймс, Мэн Руссо Боше (чье имя каким-то образом перешло от произношения «Мэн Бокер» к произношению «Мэн-бо-шей») — приезжающих в Париж, чтобы получить одобрение галльского истеблишмента и тем самым подтвердить свою легитимность.

Первые дизайнеры, которые превратили свою американскость в преимущество — г-жа Маккарделл, Бонни Кашин, Руди Гернрайх — сделали это, отчасти предложив альтернативу высокоструктурированным и классово зависимым традициям французской одежды, которые диктовали стиль с головы до ног. Они использовали молнии (молнии!), накладные карманы, пончо; они возвышали повседневные материалы, такие как деним, гингем и белая рубашка. Суть заключалась в том, чтобы предложить одежду, которую можно комбинировать и сочетать в зависимости от владельца и контекста — одежду, которая могла бы освободить его от диктата одного дизайнера, от ограничений костюма или требований переодеваться несколько раз в день. Позже г-н Гернрайх даже освободил грудь от купальника.

Именно тогда родился стереотип спортивной одежды, определяемый идеями «практичности», «функциональности» и «полезности», которые связаны с романтикой первопроходцев и самодельщиков. Однако даже тогда это было слишком упрощенное обобщение. На каждого Маккарделла приходился Эдриан, который был выходцем из голливудских традиций и не имел особого отношения к базовым вещам.

Тем не менее, спортивная одежда оставалась доминирующей этикой, создавая основу для Версальской битвы, когда Халстон (который, как известно, еще больше раскрепостил тело), Стивен Берроуз, Билл Бласс, Оскар де ла Рента и Анна Кляйн одержали победу над Сен-Лораном, Живанши и т.д. А они, в свою очередь, проложили путь для поколения больших брендов, которые пришли после них — Calvin Klein, Ralph Lauren, Donna Karan — с их акцентом на минимализм, физичность и национальную историю. Свежий ветер пронесся по затхлым коридорам, которые Париж занимал в сознании потребителей.

Это повествование входило и выходило из моды. Она привела Майкла Корса и Александра Вэнга (это только два дизайнера) в Celine и Balenciaga, но не смогла удержать их там, поскольку то, что сначала было позитивным, в итоге стало (по крайней мере, в моде) кодом для обозначения «не такой творческий», «не такой художественный» или еще более уничижительного «коммерческий».

Актриса Кэтрин Оксенберг в футболке из шелкового джерси и леггинсах из лайкры от Stephen Sprouse, 1984 год.Credit...Arthur Elgort/Condé Nast, via
Актриса Кэтрин Оксенберг в футболке из шелкового джерси и леггинсах из лайкры от Stephen Sprouse, 1984 год.Credit…Arthur Elgort/Condé Nast, via

Краткое замечание о стереотипах

Проблема в том, что эти широкие размахи часто затушевывали то, сколько альтернативных идей бурлило в воздухе; сколько американских дизайнеров реагировали на субкультуры, полностью созданные ими самими, будь то Вилли Смит с его «уличной модой», или Норма Камали с ее высокой лайкрой, или Стивен Спраус с его граффити клубных детей. Влияние всегда просачивалось вверх, даже больше, чем вниз, даже до того, как уличная одежда стала глобальным явлением. Посмотрите на мистера Джейкобса и гранж; или, совсем недавно, на Кристофера Джона Роджерса, который объединил бальную культуру с техниколорным кутюром; и на Эмили Боде, которая возвела ремесленничество и лоскутное шитье в ранг высокого искусства.

Вот почему никогда не имело смысла сводить американскую моду к какой-либо монолитной эстетике. Правильнее сказать, что эти дизайнеры разделяют набор идей, в которых большое значение придается свободе и «сделай сам», как отметила Валери Стил, директор и главный куратор музея при Технологическом институте моды, и которые выражаются в самых разных, казалось бы, не связанных между собой вещах.

«Система моды здесь уже давно ассоциируется с относительно сильной системой убеждений, предпринимательской, но с акцентом на личную самостоятельность и отношение к жизни», — сказала г-жа Стил.

 

Наоми Кэмпбелл в фирменной майке и бальной юбке Isaac Mizrahi на показе дизайнера в 1994 году.Credit...Ron Galella, Ltd./Ron Galella Collection, via Getty Images
Наоми Кэмпбелл в фирменной майке и бальной юбке Isaac Mizrahi на показе дизайнера в 1994 году.Credit…Ron Galella, Ltd./Ron Galella Collection, via Getty Images

Жизнь, свобода и стремление к стилю

Сквозные линии связаны с мифологией основания страны — принципами демократии, свободного выражения, бунтарства и самоизобретения, а не с каким-то конкретным силуэтом, стилем или географией. Именно поэтому Айзек Мизрахи, сделавший себе имя, сочетая ребристые майки с изысканными бальными юбками, сказал, что, по его мнению, Valentino с его сутулыми сепаратами из двуликой ткани «является самым американским брендом, работающим сегодня».

Возможно, именно поэтому так мало примеров, когда американские бренды продолжают существовать после смерти своих основателей. Это не потому, что дизайнер не оставил четкого и мощного наследия или архива — все это было у Маккарделла, Бина, Патрика Келли. Дело в том, что к идее сохранения прошлого, запирания его в янтаре, относятся со здоровым скептицизмом. Даже когда бренды продолжают жить после своего основателя, как, например, Bill Blass и Halston, они, как правило, перестают быть актуальными. И почему европейские группы класса люкс, которые построили свои империи на переосмыслении старых брендов, не смогли заставить ту же стратегию работать в США. Люди… ну, восстают против этого.

Существует история модных деклараций независимости.

Не случайно первый залп шоу Met, разделенного на две части (вторая часть откроется в мае 2022 года), называется «В Америке: Лексикон моды» и содержит около 100 работ, из которых примерно 70 процентов — это работы «новых» лейблов, многие из которых (Telfar, Hood by Air) фактически восстали против банальной категоризации, которой является спортивная одежда, а также против системы, которая ее породила.

«У нас у всех очень сильные и четкие точки зрения», — говорит Хилари Теймур, основательница Collina Strada, которая почти полностью работает с переработанными материалами. «Мечта — не идти на компромисс. Если что и объединяет нас, так это отсутствие интереса к тому, чтобы быть частью устоявшейся системы».

Гости на приеме по случаю выставки дизайна Патрика Келли в Бруклинском музее в 2004 году в одежде Патрика Келли.Credit...Bill Cunningham/The New York Times
Гости на приеме по случаю выставки дизайна Патрика Келли в Бруклинском музее в 2004 году в одежде Патрика Келли.Credit…Bill Cunningham/The New York Times

Мода на другую американскую мечту

«Я просто подумал, что пришло время попробовать заставить людей по-другому думать об американской моде», — сказал г-н Болтон. «Выставка пытается поставить под сомнение традицию всегда рассматривать ее через призму спортивной одежды и отразить то, как американские дизайнеры находятся на переднем крае борьбы с современными проблемами, будь то этические, экологические или социальные, которые вызывают гораздо больше эмоций».

С этой целью он организовал выставку как лоскутное одеяло, состоящее из образов, которые представляют собой различные слова: радость, желание ответственность. К этому можно, а возможно, и нужно, добавить трещиноватость и дробность, разрушительность.

Когда Раф Симонс возглавлял Calvin Klein и применял свой европейский взгляд на Америку, он часто обращался к голливудским фильмам и классическим фильмам ужасов: он фокусировался на Пустоши, высыхании и опасности: гнилые фермерские дома, образы Уорхола «Автокатастрофы», «Челюсти», выраженные в одежде. Мистер Саймонс, конечно, был довольно бесцеремонно уволен из Calvin в 2018 году, что говорит о том, как это было воспринято. Но в чем-то он был прав. Три года спустя дело не в том, что такая альтернативная история стала мейнстримом, а скорее в том, что сам мейнстрим становится все более расколотым. И это тоже часть американской истории — и, возможно, создало самое интересное предложение о том, как одеваться.

Часто результат получается нишевым, даже странным. Он игнорирует старые тропы «мужской одежды» и «женской одежды», рассматривая их как шибболезы из другого времени; он берет тотемы стремления и смешивает их с радостью. Это коллектив, известный как Vaquera, смешивающий камуфляж, блестки, G-стринги и полоски банкира в смелых социальных комментариях. Или Майк Экхаус и Зои Латта из Eckhaus Latta проделывают дыры в трикотаже, дениме и — ну, во всем, включая унаследованные представления о красоте и роскоши. Это Heron Preston, рассматривающий униформу нью-йоркского департамента санитарии как добытое золото.

Телфар Клеменс крутит и режет основы гардероба (майки, спортивные штаны, платья-футболки, пуховики), чтобы перевернуть представления о сексе и исключительности.

«Во многих отношениях американская мода, как и Америка, все еще существует скорее как возможность, чем как уверенность», — говорит Эрик Дарнелл Притчард, профессор английского языка в Университете Арканзаса и автор готовящейся книги о Патрике Келли.

«Это, как и нация, проект, который все еще находится в процессе становления. Чем больше Америка, и, соответственно, американская мода, действительно отражает и принимает различия, которые являются и всегда были силой того, кто мы есть, тем больше эти термины приобретают историческую, культурную, политическую и экономическую разборчивость и, по сути, смысл».